Materie und Form: Fünf Künstlerinnen, die aus Paris ‘Design -Salon aus beobachten können

Die Welt des Designs verändert sich und damit ein neuer Design -Salon zum zweiten Mal während der Fashion Week. Materie und Form ist keine typische Messe – es ist eine Einladung, die Designlandschaft an der Schnittstelle von Handwerk, Kreativität und Handel zu erkunden. Ins Leben gerufen von Dan Thawley und Matthieu Pinet letztes Jahrder neue Salon – festgehalten in Der Jardin des Tuileries – fordert das Konzept, welche Design-, Kunst- und Modeveranstaltungen heute sein können. Die kurzlebigen Pavillons mit ihren silbergespiegelten Fassaden begrüßen über 60 Aussteller aus der ganzen Welt, von der Ukraine bis Japan, mit renommierten Marken wie dänischem Allrounder Frama und Furniture Icon Vitra wie aufstrebenden Talenten wie Teget und Nm3.

Die zweite Ausgabe der Messe erstellt einen Dialog zwischen Tradition und Innovation und huldigt die Ausstellung von 1925 im Internationale des Arts Décoratifs et Industiels Modernes in Paris, einem entscheidenden Moment in der Designgeschichte. 100 Jahre später verwandelt sich die Stadt erneut in einen progressiven Kunstzentrum, der sich Projekten und Ideen widmet, die zeitgenössisches Design -Denken mit Handwerkskunst, Designgesprächen und architektonischen Referenzen durchlaufen.

Im Folgenden sprechen fünf Künstler und Kuratoren aus der diesjährigen Materie und Form trotz herausfordernder Bedingungen über ihre Arbeit, Funktionalität und Schaffung.

Mit ihrer verspielten und pragmatischen Einstellung zu Gegenständen schafft Natalia Criado Schmuck für den Tisch. “Es ist eine reife Art, mein inneres Kind zu repräsentieren”, sagt der in Mailand ansässige Künstler, der für ihre einzigartige skulpturale Metallarbeiten bekannt ist und das zeitgenössische Design mit Handwerkskunst verbindet. Criado lässt sich von dem Erbe vorkolumbianischer Formen und archaischer Kunst inspirieren und hat den starken Wunsch, einige der Kulturen und Überzeugungen ihres Heimatlandes mit Hilfe lokaler Handwerker zu retten und gleichzeitig ein modernes Design-Ethos zu verkörpern. Ihr Werk ist ein Porträt einer Emotion, eine bestimmte Art von Energie, die den alltäglichen Umgebungen künstlerischer Charakter verleiht.

Aus Materie und Form stellt sie ihre neue Sammlung vor, Escritoriowas macht im Büro sitzen und wieder Spaß machen. Zu den Teilen gehören, ohne darauf beschränkt zu sein, einen Telefonhalter, Bürobecher und ein Papiergewicht, das das tägliche Büro -Grind inspirieren und erhöht und präsenter ist – etwas, das Criado in der heutigen Welt zunehmend schätzt. „Ich wollte Accessoires anbieten, mit denen sich die Begegnung mit einem Arbeitsplatz an einem Arbeitstisch angenehmer machen kann, wobei die gleiche verspielte stilistische Sprache, die ich in meinen früheren Sammlungen verwende“, fügt sie hinzu und bezieht sich auf ihre charakteristischen geometrischen Formen.

“Meine Stücke sind am Leben”, sagt Justine Menard, die Glas als Medium für künstlerischen Ausdruck erforscht. Jeder von ihnen ist wie Poesie, so bedeutend und zerbrechlich wie das Material selbst. Sie möchte, dass sich die Menschen verbinden und in sich selbst schauen, wenn sie ihre Kunst erleben, und letztendlich ein „Netzwerk von Gefühlen“ schafft. Die Suche nach Reinheit und Magie ist zwischen Paris und Barcelona basiert und inspiriert von weichen und weiblichen Formen, die zu mundgeblasenem Schmuck, Objekten, Broschen und Kabeln wachsen.

“Immer wenn ich eine Idee habe, wird es nicht unbedingt funktionieren”, sagt Menard über ihre Art, Dinge zu tun. Für sie kann alles funktional sein – Sie müssen sich nur um die Perspektive verschieben. „In meinem kreativen Prozess erforsche ich gerne, wie ein Objekt in die Gesellschaft passen kann“, erklärt sie und beziehe sich auf ihre ätherischen Kunstwerke als Skulpturen, bevor sie ihre Vision von Nützlichkeit anbietet. Fasziniert von der Art und Weise, wie Glas sich selbst verwandelt, erfuhr die französische Künstlerin, dass Unvollkommenheit nicht nur für ihre Arbeit wesentlich ist, und Disziplin ist die höchste Form der Belohnung. „Jedes Mal, wenn ich am selben Stück arbeite, wird es anders sein als das andere“, fährt sie fort. „Am Ende geht es um das Leben. Jeder Tag ist gleich, aber anders. “

„Um außergewöhnlich zu sein, muss ein Möbelstück über die Funktionalität hinausgehen“, sagt Lola Maria Tulle, Gründerin der brasilianischen Aalvo -Galerie. Der experimentelle Raum erhöht das Design als Kunstform und ist immer auf der Suche nach Stücken, die Konventionen herausfordern. Jeder von ihnen ist eine Skulptur, die hauptsächlich für seine inhärente künstlerische Qualität anerkannt wird. “Ich bin in Stücke gezogen, die nicht nur den Raum belegen, sondern ihn verwandelt”, sagt sie über ihre tiefe Wertschätzung für Werke, in denen das Material selbst ein Teil der Geschichte ist. “Über die Ästhetik hinaus interessiert mich auch Künstler, die nicht nur Objekte für den täglichen Gebrauch machen, sondern den Akt der Schöpfung in Frage stellen.”

Wenn es um die Brasiliens -Designszene geht, bezieht sich Tulle auf die Fähigkeit des Landes, Widrigkeiten in einzigartige Kreationen zu verwandeln. „Ohne den gleichen Bildungs- und kulturellen Zugang wie Industrieländer kompensiert Brasilien die Kreativität und einen intuitiven Ansatz“, erklärt sie. Während es bei gutem Geschmack nicht immer darum geht, was als schön angesehen wird, glaubt der junge Kurator, dass es einen Geschmack für alles gibt: „Es ist nicht etwas Frivoles, sondern eine Form von funktionaler Kunst, die in der Lage ist, eine persönliche Sicht zu vermitteln, ohne blind blind zu folgen. Wenn es gefunden wird, wird es zeitlos – nicht leicht zu definieren oder replizieren. “

Das Glasblasblasen in Palästina gibt es seit über tausend Jahren. Hohlformen wollen die verborgene Geschichte des Materials in der Region offenbaren. “Die Ironie ist, dass die tatsächlichen Menschen, die es heute schaffen, zwar als biblisches Handwerk romantisiert wurde, aber unter Berufung kaum überlebt”, sagt Dima Srouji, Architekt, bildender Künstler und Gründer von Hollow Fors, einem zutiefst persönlichen Projekt, das mit palästinensischen Gläschen zusammenarbeitet, um die Tradition nicht nur zu erhalten, sondern auch die Tradition voranzutreiben. “Es geht nicht um die Erhaltung der Nostalgie”, fährt sie fort, “sondern darum, Arbeit zu machen, das das Handwerk in zeitgenössischen Gesprächen am Leben hält.”

Obwohl Glasblasen eine alte Praxis sind, ist es das Material, das Zeit und Raum überschreitet, wodurch sich die Stücke modern anfühlen. “Die Art und Weise, wie die Glasfunktionen heute tanzt, ist sehr ähnlich wie während des Römischen Reiches und zuvor”, sagt Srouji, der sich für die Idee des Objekts des Traumas und des Traumas von Objekten interessiert. „Ein gebrochenes Gefäß, ein verdrängtes Artefakt, ein Fragment der Architektur – dies sind Zeugen von Gewalt, Verschiebung und Verlust“, erläutert sie. “Aber ich sehe sie auch als Websites der Heilung, an denen es nicht darum geht, ein Trauma zu löschen, sondern um es zu verwandeln.”

Für Shaha Raphael ist es eine Möglichkeit, mit allem um sie herum umzugehen. Es ist das, was sie im Fluss hält. Angetrieben von der Faszination für Materialien kombiniert der in Beirut basierende Hersteller Architektur und Handwerk in neugierige Objekte und Räume. „Sie werden mir immer sagen, was sie werden wollen und nicht umgekehrt“, erklärt sie ihren kreativen Prozess, der digitale Präzision mit handwerklichen Fachkenntnissen kombiniert. “Ich glaube wirklich an die Kraft von Objekten.” Fehler sind nicht Teil ihres Designvokabulars. Stattdessen sieht sie sie als zufällige Begegnungen und neugierige Gesten.

In Materie und Form zeigt der libanesische Schöpfer und der Architekt ihre Arbeit, Oberflächenspannungwas darum geht, mit Spannung, als treibende Kraft und im Kontext von Material zu erzeugen. “Das Land ist ein riesiger Workshop”, sagt Raphael über den Libanon, einen Schmelztiegel vieler verschiedener Gemeinschaften, die nur Handwerker sind. „Ich war hier, als der Krieg im September 2024 in Beirut begann, und es war sehr real und lähmt. Ich habe die Leute angerufen, mit denen ich zusammenarbeite, und sie würden es mir sagen, bis sie nicht kommen und uns aus unserem Workshop holen, wir bewegen uns nicht. Es ist eine verrückte Dualität. Für sie, so sehr es für mich war, eine Möglichkeit, mit Dingen umzugehen. “

Materie und Form wird vom 7. bis 10. März 2025 in Paris im Jardin des Tuileries stattfinden.